Frames Matter: Seni dan Kerajinan Editing



Harga
Deskripsi Produk Frames Matter: Seni dan Kerajinan Editing

Editor film melakukan pembersihan kelelawar dalam proses panjang dan panjang super panjang yang berakhir jika semuanya berjalan lancar dengan film jadi. Mereka mengambil bahan baku dan mengubahnya menjadi sesuatu yang bersih, kohesif, dan menarik. Mereka tidak begitu berbeda dari koki dengan cara itu. Dan mereka membutuhkan keahlian yang beragam. "Menjadi editor adalah bagian yang sama kreatif, kerajinan tangan, dan kutu buku murni," Lucas Harger seorang editor di studio kreatif Bruton Stroube memberi tahu kami baru-baru ini. "Dan aku sangat kutu buku."

Lucas adalah editor dokumenter kami, MAKE, dan kami melihat secara langsung apa yang bisa dilakukan editor hebat untuk sebuah proyek. Untuk terus mencampur metafora kami: mereka adalah ahli bedah, pendongeng, dan ilmuwan gila yang entah bagaimana berhasil membawa hunks material yang berbeda kepada kehidupan. Mereka memegang pisau bedah di satu tangan, dan pisau potong daging di tangan yang lain.

Kami berbicara dengan Lucas baru-baru ini tentang pengeditan.


Musik: Apa hal terbaik tentang menjadi editor?

Bagi saya, saat Anda melihat penonton menangkap sesuatu yang Anda buat dengan sangat sengaja tapi akan sangat mudah bagi mereka untuk dilewatkan. Itu jujur ??kenapa saya edit. Film adalah proses yang sangat besar ini, dan saya diberi tanggung jawab untuk memberikan produk akhir. Jadi, ketika penonton menangkap subtlet atau subteks, itu berarti keseluruhan proses ditangani dengan benar. Pada dasarnya itu omong kosong.

Dan saya harus jelas bahwa seluk beluk yang saya bicarakan tidak terkait dengan teknik atau alat. Ini semua tentang emosi dan respons. Ini tentang ide tingkat tinggi yang akan saya dan sutradara perbincangkan. Itulah hal-hal yang membuat saya bersemangat dengan penonton yang terus naik. Belum tentu seseorang mengenali, seperti, "Oh, Bung! Dope match cut! "

Saya ingat pernah membaca tentang sebuah adegan di Jaws dimana mayat muncul dan membuat penonton melompat. Butuh waktu berminggu-minggu untuk mendapatkan waktu yang tepat agar penonton mendapat respons itu.

Frames penting, man. Satu bingkai, dua bingkai, tiga bingkai. Orang memutar mata saat Anda berbicara seperti itu, tapi beberapa bingkai benar-benar bisa membuat perbedaan. Singkirkan satu arah atau yang lain, dan Anda mendapat respons emosional yang sama sekali berbeda terhadap sebuah adegan. Itu luar biasa.

Sudahkah Anda mengembangkan sebuah buku pedoman untuk mendapatkan tanggapan tertentu?

Itu selalu berbeda. Setiap adegan memanggil caranya sendiri untuk dipotong. Mungkin ada kiasan atau trik tertentu yang bisa Anda gunakan. Keputusan musik tertentu, desain suara, atau mondar-mandir. Tapi setiap adegan memanggil getaran spesifiknya agar bisa bekerja. Saya punya beberapa trik, tapi saya tidak punya playbook.

Bagaimana Anda membantu diri Anda memperbaiki diri sebagai editor?

Bagi saya, itu turun untuk mengedit satu ton, dan mengedit dalam banyak genre yang berbeda. Saya juga banyak membaca. Saya masih banyak membaca. Saya menjelajahi Internet untuk program film tingkat master di berbagai perguruan tinggi, dan kemudian saya mencuri daftar bacaan yang mereka butuhkan. Saya harus mengatur untuk tiga tahun membaca. Saya mencoba melewati satu buku dalam silabus sebulan.

Saya juga menyimpan jurnal ekstensif tentang berbagai pemikiran yang saya miliki tentang kerajinan itu. Berbagai hal yang telah saya pelajari. Teori baru yang ingin saya coba. Jika saya melihat sesuatu yang memicu minat saya, saya menulis sebuah paragraf tentang hal itu, dan kemudian saya mencoba menggunakannya pada sebuah proyek. Jadi sudah banyak editing, banyak membaca, dan banyak menonton. Itulah yang saya lakukan setiap hari untuk diperbaiki sebagai editor.


Anda bukan editor saja. Anda juga perlu memahami pengarahan, Anda perlu memahami sinematografi ...
Buku mana yang paling banyak membantu?

Semua orang mengatakannya, tapi Walter Murch. Apa pun yang ditulis Walter Murch. Dalam sekejap mata. Percakapan. Itu adalah dua yang harus dibaca hampir di semua pendapat semua orang. Saya baru saja selesai membaca Kazan pada Directing oleh Elia Kazan. Dia memiliki begitu banyak hal menakjubkan untuk dikatakan, dan buku itu pada dasarnya adalah kompilasi dari semua catatan dan jurnal tentang drama dan film spesifik yang dia buat. Ini adalah buku yang menakjubkan.

Jadi Anda membaca buku yang bukan hanya tentang editing.

Anda harus melakukan pendekatan holistik terhadap prosesnya. Anda bukan editor saja. Anda juga perlu memahami arahan, Anda perlu memahami sinematografi - bukan dari sudut pandang mampu melakukan kerajinan itu, tapi pahami apa yang sedang dilakukan para perancang ini pada saat tertentu. Anda perlu tahu apa yang mereka lakukan dengan adegan jika Anda akan melakukan keadilan adegan itu saat mengedit.

Di sisi lain, Anda juga perlu memahami kekuatan suara, kekuatan warna. Hal-hal yang akan menambahkan begitu banyak, dan Anda perlu menyadari bagaimana hal itu mempengaruhi bagian akhir. Aku memotong dari tempat yang sangat sonik. Saya mengandalkan desain suara. Sampai saya merapikan urutan saya, mereka umumnya memiliki 18 sampai 25 saluran audio. Memahami desain suara dan berkolaborasi dengan perancang suara sangat besar untuk saya.

Saya mencoba membaca buku dari setiap jurusan. Bahkan desain kostum dan desain set. Hal-hal itu penting. Anda perlu tahu mengapa pengambilan tertentu lebih baik daripada yang lain karena bagaimana cahaya praktis berada pada posisi sempurna untuk melecehkan getaran tertentu dari himpunan. Mungkin hanya beberapa orang yang memungutnya, tapi itu ada di sana. Itulah yang membuat penyuntingan jauh, memiliki mata yang terlatih untuk melihat hal-hal itu dan memahaminya.

Apakah Anda ingat catatan kerajinan terakhir yang Anda ambil?

Saya memiliki catatan panjang tentang hubungan antara editor dan direktur. Ini telah berayun dari hubungan yang murni teknis untuk benar-benar kolaboratif, dan sekarang mendarat di suatu tempat di tengahnya. Saya pikir editor harus menjadi penyuluh teknis dari otak direktur ini, tapi juga memahami penglihatan untuk produk akhir sehingga dia bisa menawarkan gagasan. Salah satu hal spesifik yang pernah saya coba lakukan akhir-akhir ini adalah melakukan percakapan dengan direktur setinggi mungkin. Alat khusus yang saya gunakan untuk mewujudkan visi hidup, itulah tugas saya. Itulah yang saya mahir. Jadi mari kita bicara tentang bagaimana perasaan penonton. Mari kita bicara tentang apa yang ingin kita komunikasikan. Mari kita bicara tentang bagaimana kita akan berpindah dari satu tindakan ke tindakan berikutnya.

Anda mengedit berbagai jenis potongan. Apakah teknik kebanyakan diterjemahkan?

Sebagian besar, tapi beberapa memiliki tantangan unik tersendiri. Pemotongan selama 30 detik sangat berbeda dari pemotongan selama 30 menit. Dan sejujurnya, belajar memotong potongan 30 detik yang benar-benar efektif akan membayar dividen saat Anda pergi ke bentuk panjang. Belajar mengkomunikasikan banyak informasi dalam waktu singkat merupakan tantangan artistik dan kreatif yang besar. Jika Anda bisa menguasainya, maka mengerjakan bagian yang lebih panjang akan terasa seperti karung pasir yang telah lepas dari pergelangan kaki Anda.

Apa pendekatan Anda dalam bentuk panjang? Bagaimana Anda menahan perhatian seseorang selama satu jam?

Nah, itu tantangannya, bukan? Saya cenderung menguraikan hal-hal dengan notecards. Saya melihat semua rekaman dan memproses secara mental apa yang telah saya lihat; dan kemudian aku menyusun cerita itu secara horisontal di dinding dengan notecards. Dengan begitu saya bisa melangkah mundur dan merasakan aliran emosi dan ritme potongannya. Mungkin ada bagian 30 menit tanpa hit emosional nyata. Apa yang bisa saya lakukan di sana untuk membangun puncak emosional yang akan menghancurkan lembah ini? Puncak dan lembah sama-sama melayani tujuan. Anda perlu satu untuk memiliki yang lain. Jika Anda akan membuang banyak informasi di pemirsa, Anda mungkin perlu memecahnya dengan puncak emosional. Dan sebaliknya. Jika film ini emosional selama 40 menit berturut-turut, itu melelahkan bagi penonton dan tak lama lagi benar-benar penting. Anda telah menetapkan baris emosional terlalu tinggi.


Apakah Anda menyimpan puncak emosional tertinggi untuk akhir?

Saya tidak memiliki aturan praktis untuk menyimpan crescendo untuk tujuan tertentu. Bagi saya, akhir harus menjadi puncak dari segala sesuatu yang telah kita lihat. Entah itu membungkus segala sesuatu atau sengaja membuka semua. Harus ada semacam kesimpulan, tapi Anda tidak perlu memukul penonton dari kepala dengan itu. Tidak perlu ada klimaks masif. Dan kadang-kadang bisa menjadi sesuatu yang benar-benar di luar tembok.

Di akhir film Werner Herzog Cave of Forgotten Dreams, mereka berada di dalam gua ini melihat gambar tertua yang diketahui pria. Dan dia memiliki momen pembungkus sempurna di mana Anda pikir film ini bisa berakhir. Tapi kemudian dia mulai membicarakan buaya radioaktif ini yang hidup di dalam gua. Semuanya benar-benar dibuat, tapi dia menggunakannya untuk mengkomunikasikan poin yang sangat spesifik. Ini seperti adendum kecil ini. Anda telah menyaksikan seluruh dokumenter ini dan kemudian diakhiri dengan buaya radioaktif. Ini lucu dan sempurna, tapi itu bukan puncak emosional. Ini bukan pernyataan melonjak tentang kemanusiaan. Ini membuat Anda lengah. Kemudian film berakhir dan Anda mulai menarik kesimpulan Anda sendiri.

Apa pendekatan Anda dengan dokumenter seperti MAKE, di mana narasi itu adalah perkembangan gagasan?

Nah, saya harus mengatakan satu hal yang sangat penting adalah selalu memotong dengan penonton dalam pikiran. Saya menganggap diri saya sebagai pendengar sejati pertama. Ketika saya menonton rekaman mentah, saya membuat catatan tentang bagaimana bagian tertentu membuat saya merasa. Lalu aku mencari cara untuk meningkatkan perasaan itu. Cara mengolahnya menjadi sesuatu yang akan dipukul dengan penonton kedua.

Untuk bagian seperti MAKE, ini tentang membangun ruang bagi pemirsa untuk memasukkan diri mereka ke dalam film, hampir menjadi subyek sendiri. Film ini secara tidak langsung mengajukan pertanyaan penting kepada pendengar ini. Dan pertanyaan-pertanyaan ini kemudian dijawab oleh situasi dan skenario yang berbeda dalam film tersebut. Itulah pendekatan saya dengan film yang tidak memiliki narasi super kuat melalui jalur. Saya membangun ruang bagi pemirsa untuk memasukkan diri mereka ke dalam potongan dan bergulat dengan pertanyaan yang sama dengan pokok bahasan film tersebut. Anda harus sangat sadar di mana penonton berada dalam emosi dalam film ini. Apa yang terjadi sebelumnya dan kemana mereka harus pergi dari sini? Anda harus mengantisipasi di mana kepala mereka berada.


Apakah Anda memulai dari awal dan bekerja sampai akhir?

Saya tidak memiliki proses yang spesifik, kecuali saya tidak pernah memulai dari awal dan bekerja sampai akhir. Saya juga jarang memulai dengan yang terakhir. Biasanya saya menemukan bagian yang menurut saya akan menyenangkan untuk dipusingkan, dan saya mulai memotong sesuatu bersama. Dengan MAKE, saya mulai dengan bagian di mana Eliot [Rausch] berbicara tentang upacara penghargaan, dan ada rekaman arsip ini. Saya pikir akan menyenangkan untuk dipotong. Dan dari situ, banyak hal bergoyang di kedua arah. Saya mulai membangun momen kecil ini, puncak dan lembah ini, dan kemudian menemukan cara menghubungkannya.

Sepanjang seluruh proses editing, saya terus bertanya pada diri sendiri, Apa gunanya bagian ini? Apakah bagian ini melakukan tugasnya? Jika tidak bekerja dengan keseluruhan tujuan film, saya memotongnya. Itulah mengapa sangat penting untuk selalu mengingat pemirsa setiap saat. Banyak editor film mengatakan bahwa mereka memperhatikan audiens, tapi ternyata tidak. Anda harus mengingatnya. Anda harus mengerti bagaimana masing-masing bagian akan membuat mereka merasa, bagaimana masing-masing bagian akan mendarat. Anda harus mencari cara untuk mengemas rekaman ini dan mengirimkannya dengan cara yang paling berarti. Begitulah cara Anda mendorong sebuah cerita ke depan.Baca juga: pusat plakat
5 24
Copyright © 2015. OKEbutik Template Allright reserved.